Analyser une œuvre d’art : comment procéder précisément ?

Vous voulez apprendre à analyser une œuvre d’art ? Sachez qu’il existe deux façons de faire. Vous pouvez :

• rester à la surface
• faire une analyse d’un point de vue historique

Lorsqu’il faut rentrer dans les analyses un peu plus techniques, basées sur les principes esthétiques de l’œuvre, connaître le langage est essentiel. Pour pouvoir analyser une œuvre d’art, ci-après les éléments de base à voir de près.

Les éléments fondamentaux à décrypter

Trois principaux éléments sont à décrypter lors de l’analyse d’une œuvre d’art.

Identifier les éléments clés

L’objectif est d’essayer d’identifier dans une œuvre :

• ses éléments clés
• sa composition

L’œuvre est-elle basée sur le nombre d’or ou des principes mécaniques de composition ? Encore une fois, il y a toute une connaissance qui permet d’aller en profondeur dans l’analyse. Le but est d’observer attentivement les détails. Cependant, avant d’y arriver, avoir une idée de l’ensemble est primordial ; puis petit à petit, l’analyse va se préciser. En réalité, c’est un peu comme les peaux d’un oignon. Vous allez :

• arriver à décoder les couches, les unes après les autres
• tenir compte des effets sensibles du mouvement
• examiner la fiche d’identité pour analyser profondément

Cela donne quelques indications, mais l’œuvre doit se suffire à elle-même.

Le but serait de découvrir comment les aspects picturaux sont apparus.

Composition et organisation

Quand vous faites une analyse, cela sous-entend que vous êtes déjà un spécialiste de la peinture. Vous savez approximativement à quel mouvement appartient la peinture :

• une œuvre classique
• une œuvre baroque
• un romantisme
• une œuvre abstraite de tel type

Le tableau est-il dans des harmonies classiques ou dans des harmonies plus contemporaines ? Ensuite, vous allez essayer de chercher la cohérence interne de l’œuvre, c’est-à-dire : Pourquoi cette œuvre est-elle importante ? Souvent, ce qui fait la différence, c’est votre compréhension :

• de la composition
• des formes

En fait, c’est tout un monde que vous allez essayer de décoder. Nous venons de prendre connaissance des éléments essentiels dans l’analyse d’une œuvre d’art. Il est maintenant temps pour vous d’approfondir les techniques et les matériaux utilisés par l’artiste lors de sa création.

Techniques et matériaux

Il est également possible d’analyser les techniques et les matériaux qui ont été utilisés. Pour les techniques, il faudra voir de près, car les possibilités sont nombreuses :

• peinture à l’huile
• peinture à l’acrylique
• techniques mixtes
• etc.

Les techniques et les matériaux n’ont pas un grand impact sur l’analyse esthétique de la peinture. Celle-ci repose notamment sur :

• la justesse et l’importance de la composition
• la circulation interne et la logique entre formes
• le travail de la couleur et de la matière
• les mises en relation entre différents plans de couleurs
• le type de traitement de l’espace

Supports et formats

Dans certaines œuvres, le choix du support revêt une grande importance. Face à un grand format, vous aurez l’impression d’être envahi par l’œuvre, d’être dépassé.

Exemple

Avec les peintures de Rothko, vous devez vous mettre à environ 50 cm de l’œuvre pour vivre pleinement l’expérience qu’a voulu vous proposer le peintre et avoir cette impression d’espace infini.

Vous allez vivre une autre expérience si c’est un petit format. Avec des miniatures persanes, c’est le cas par exemple. D’ailleurs, ce qui est très fort, c’est que vous êtes face à un tableau de petite taille. Pourtant, vous aurez l’impression d’être devant une œuvre magistrale. Les principes peuvent se renverser vu que nous sommes dans le monde de l’esprit et des phénomènes de vision. Notre perception fait que si nous focalisons notre regard sur une petite surface, au bout d’un moment :

• nous rentrons dans cet endroit
• nous pouvons avoir l’impression que la surface est bien plus étendue par rapport à sa grandeur réelle.

Description de l'œuvre avec le vocabulaire approprié

  Il est effectivement important de connaître le vocabulaire utilisé dans le cadre de l’analyse d’une œuvre d’art. Les spécialistes utilisent un jargon particulier, notamment des termes comme :

• équivalence
• modelé
• aplat modulé
• profondeur classique et définitive
• ambiguïté spatiale

Après les techniques et les matériaux, la dernière étape de l’analyse est la compréhension du sens et de la signification de l’œuvre d’art.

Repérer le sens et la signification

Que ce soit la nature morte ou l’abstraction, il n’y a pas une grande différence. En effet, les deux cherchent exactement la même chose : l’harmonie. Dans l’une ou l’autre, le peintre cherche :

• l’harmonie
• le beau
• la cohérence

Simplement, dans une peinture représentative, une nature morte par exemple, le peintre va :

• au-delà d’une représentation fidèle
• créer du beau en mettant en relation tous les éléments

Il va finir par produire quelque chose d’extrêmement beau, qui dépasse souvent la réalité. Dans une peinture abstraite, le peintre cherche la cohérence, l’harmonie et le beau par différents moyens qui sont liés au langage pictural lui-même.

Symboles et signifiants

Il y a une différence entre une analyse faite par un historien et un peintre. Un historien va effectivement pouvoir donner des tas de détails sur la société représentée dans tel ou tel tableau, notamment :

• les aspects sociaux, historiques et symboliques
• la grandeur des personnages
• la symbolique d’une couleur ou d’un animal

Exemple

Chez les peintres primitifs, les personnages importants tels que les rois et les reines sont souvent représentés plus grands par rapport aux autres.

Pour un peintre qui analyse une peinture, ce n’est pas du tout cet aspect-là qu’il cherche. Il va essayer de comprendre la construction. Il s’agit de la mécanique interne du tableau qui est liée à tous les éléments esthétiques utilisés par l’artiste pour produire son œuvre. Ces principes esthétiques ont bougé depuis. Ils ont évolué dans le temps, mais finalement pas tant que ça. Il y a quelques grands principes qui ont progressé.

Exemple

Il y a la libération de la couleur au XXe siècle avec la rupture d’une représentation classique où il fallait travailler sur ce qui est appelé le modelé. Ce dernier veut dire donner de l’illusion, du volume.

Intentions de l’artiste

Chez les classiques, la rupture de la représentation du volume a commencé avec l’Olympia de Manet de 1863. La libération de la couleur est l’un des grands aspects qui a changé.

L’arrivée de l’industrie et la production en série du monde mécanique ont commencé à influencer les grands principes de composition.

Avant cela, le peintre composait essentiellement avec le nombre d’or et avec des principes symétriques. Avec l’arrivée de l’industrie, de nouveaux principes de composition ont fait leur apparition. En matière d’évolution, ce sont deux choses qui ont passablement changé. Sinon, la peinture a déjà été inventée depuis bien longtemps. Les grandes règles d’harmonie que les classiques ont mises en place sont encore vraies aujourd’hui. Elles restent toujours valables même si de nouveaux principes d’harmonie plus contemporains sont aujourd’hui utilisés.

L’analyse d’une œuvre d’art passe par plusieurs étapes principales. Avant de pouvoir y arriver, vous aurez besoin de connaître les bases en matière de peinture.

Foire aux questions

Comment peut-on interpréter les symboles dans une œuvre d'art ?

Pour interpréter les symboles dans une œuvre d’art, il y a différentes manières. Marcel Duchamp et Joseph Beuys invitent les observateurs à ne pas penser qu’il faut attendre d’être dans un musée pour voir une œuvre d’art. L’art peut être autour d’eux à chaque moment. Quand Marcel Duchamp prend l’urinoir et le sort de son contexte pour le proposer dans un musée, il invite les spectateurs à observer sa forme. Joseph Beuys fait aussi la même chose. Il demande à chaque individu d’être proche de la nature et de comprendre que l’art est partout. Le fait de vivre, d’être en vie, est déjà de l’art en soi. Voir la musique dans l’art nécessite une analyse symbolique profonde. Oui, cela passe surtout par la compréhension des liens qu’il peut y avoir entre la peinture et la musique. Paul Klee est un des peintres qui a créé des ponts importants entre la peinture et la musique, notamment dans ses recherches sur les structures mobiles. Il a travaillé avec les couleurs et a essayé de créer des crescendo et des diminuendo. Ils permettent de traduire le monde musical dans la peinture.

Quels conseils pour présenter une œuvre d'art de manière professionnelle ?

Faire des expositions virtuelles est une très bonne idée pour présenter une ou plusieurs œuvres d’art de manière professionnelle. Ceux qui ne l’ont pas vu vont pouvoir voir par exemple :

• l’exposition Rothko au musée Louis Vuitton
• l’exposition de Vermeer en Hollande

Ils vont quand même pouvoir accéder virtuellement aux tableaux, à la collection, aux œuvres qui ont été sélectionnées pour l’exposition. Depuis l’avènement de l’Internet, c’est vraiment extraordinaire d’avoir accès à des expositions qui se passent à l’autre bout du monde.

Qu'est-ce qui détermine le choix d'un support ou format pour une œuvre ?

En général, l’esthétique et l’intention artistique peuvent dicter le support. Un peintre va choisir une certaine dimension s’il veut travailler avec des matériaux de récupération et faire une œuvre qui critique la société de consommation par exemple. Le faire sur un tout petit support aura beaucoup moins d’impact que sur un énorme support. Le peintre va pouvoir justement :

• beaucoup mieux utiliser les matériaux de récupération
• montrer à quel point nous sommes submergés aujourd’hui par nos déchets

Dans ce cas, l’intention peut dicter le support.

En savoir plus

https://journals.openedition.org/philosophique/1294

https://art-toi.com/comment-analyser-tableau/